von

Souljazz in Violett

Foto: Stefan Franzen

Wenn sie Musik hört, sieht sie Farben: Dominique Fils-Aimé, eine der bekanntesten Sängerinnen der franko-kanadischen Szene, macht erneut in Deutschland Station. Vorab traf ich sie zum Gespräch.

Dominique Fils-Aimé, wenn man alle Ihre Alben nebeneinander legt, sieht man einen Farbkasten vor sich: blau, rot, gelb, grün und violett. Was steckt dahinter?

Fils-Aimé: Ich bin synästhetisch veranlagt, das heißt: Ich sehe Farben in der Musik. Jedes Mal, wenn ich einen Song höre, kann ich die Farbe finden, die dazu passt. Denn alles ist Schwingung – von Farben über Musik bis zu unseren Gedanken und unserer Energie. Und ich glaube, wenn wir aufmerksam sind, können wir alle eine Verbindung zu dieser Schwingung herstellen.

Empfinden denn alle Synästhetiker diese Zusammenhänge gleich?

Fils-Aimé: Ich glaube, dass es einen subjektiven Anteil gibt. Die Frequenz der Musik tritt in Resonanz mit den Erfahrungen, die du gemacht hast, den Dingen, die du gesehen hast –, und deshalb wird das für jeden anders sein. Für mich ist es wie eine chemische Reaktion zwischen dem Gehirn und der Seele. Die nimmt eine Frequenz wahr und interpretiert sie in einer für sie stimmigen Farbe. So, als trügen wir alle unsere eigene Brille mit einem Filter aus unseren Lebenserfahrungen.

Und wie ist das in Ihrem Fall? Wofür stehen die Farben der Alben?

Fils-Aimé: Blau ist die Farbe des Wassers und des Hals-Chakras. Auf dem ersten Album ging es um den Blues, um die Nacht, die Überquerung des Ozeans, um die Zeit der Sklaverei, auch, wie man Stille als Instrument einsetzen kann. Das alles hat sich für mich blau angefühlt. Das Rot auf dem zweiten Album symbolisiert Revolution, Feuer, das einen fruchtbareren Boden für die Zukunft hinterlässt. Es steht auch für die Einbindung von Frauen in die Jazzmusik. Gelb auf dem dritten Album steht für das Erringen von Freiheiten, für Soul, R&B, Dinge, die fröhlich, freudig und leuchtend sind. Ich ging dann zu den Mischfarben über: Das grüne Album symbolisiert die Natur und das Herz-Chakra. Als ich an dem Album schrieb, habe ich viel Zeit mit meinen Pflanzen verbracht. Mein neues, violettes Album mischt das blaue Wasser mit dem roten Feuer. Es steht für das Kronen-Chakra, geistige Klarheit, für Spiritualität, eine Revolution auf ganz persönlicher Ebene.

In Ihren Songs begegnen sich Blues, Jazz und Soul, karibische Rhythmen, Verweise auf Bobby McFerrin und Nina Simone. Was waren Ihre prägenden Erlebnisse mit der Musik?

Fils-Aimé: Als Kind in der Kirche im Chor zu stehen, mittendrin zu sein in dieser Kraft der Stimmen.  Als ich älter wurde, lernte ich dann durch die CD-Sammlung meiner Schwester jede Menge Opern, Klassik und Jazz kennen. Ich schlich mich in ihr Zimmer und stibitzte mir immer eine CD. Da waren zum Beispiel System Of A Down, deren Songs unglaubliche Harmonien haben, aber natürlich auch Lauryn Hill, Erykah Badu, Mariah Carey. Und Nina Simone und Billie Holiday natürlich.

Zunächst haben Sie gar nicht als Musikerin gearbeitet, sondern als Psychologin mit autistischen Menschen. Wie kam dann der Schwenk?

Fils-Aimé: Ich hatte ein Burn Out. Und als ich anfing, Musik zu machen, war das für mich ein Heilungsprozess. Ein Instrument konnte ich nicht spielen, also fing ich mit meiner Stimme an. Um sie etwas breiter und voller klingen zu lassen, fügte ich Akkorde hinzu. Zu singen, auch mit sich selbst, tut der Seele einfach so gut. Was für mich am meisten Sinn ergab, war der repetitive Aspekt, mich auf einen bestimmten Rhythmus einzustimmen. Ohne dass ich es überhaupt merkte, entwickelten sich daraus musikalische Mantras. Und ich wurde geradezu besessen von den meditativen Zuständen, ich merkte, dass es mein eigenes Nervensystem zurücksetzte. Ich habe das Gefühl, dass Musik die Kraft hat, unser kollektives Bewusstsein neu zu formatieren.

Ihre Stimme ist besonders: Sie haben weder ein typisch souliges Timbre, noch bewegen Sie sich in der Jazz-Phrasierung. Ihre Vocals leben oft von der Gelassenheit, der Zurückhaltung, der Transparenz.

Fils-Aimé: Ich bin von Natur aus ein sehr ruhiger Mensch. Ich glaube also, dass ich, um Musik auf möglichst authentische Weise zu machen, meine Stimme so einsetzen muss, wie ich sie tatsächlich auch beim Sprechen benutze. Es gibt zwar Momente, in denen ich aufgeregter bin und mein inneres Kind mit den Musikern spielt, aber ich habe keine starke, kraftvolle Gospelstimme. Insgesamt bin ich eher von der entspannten Sorte, das ist die Art von Energie, in der ich mich gerne bewege.

Sie sind in Montréal beheimatet, eine Stadt, die wir vor allem durch Bands wie Indiepop-Bands wie Arcade Fire kennen. Wie stark ist dort die Black Music-Szene?

Fils-Aimé: Ich habe haitianische Wurzeln und in Montréal gibt es eine seit Langem gewachsene Community von Menschen und Musiker mit haitianischen Roots gibt. In der schwarzen Szene entsteht starke  und authentische Musik, die aber nicht unbedingt viele Menschen erreicht, daher ziehen viele Künstler aus Montréal weg, nach Toronto oder in die USA, um ihre Musik besser umsetzen zu können. Die Stadt ist eben auch überwiegend französischsprachig, und wenn du auf Englisch singst, hast du es schwer. Das Tolle an Montréal ist andererseits, dass es im Vergleich zu anderen großen Städten nicht so teuer ist. Die Atmosphäre ist sehr entspannt, es gibt wenig Konkurrenz und viel Solidarität. Die Dinge laufen ruhiger und langsamer ab, was im Hinblick auf eine Karriere eben auch nachteilig sein kann.

Sie haben zweimal für Ihre Alben den Juno Award, „Kanadas Grammy“ in der Kategorie Jazz Vocals erhalten. Aber sehen Sie sich überhaupt als Jazzsängerin?

Fils-Aimé: Ich glaube, dass es zwei gültige Definitionen von Jazz gibt. Die eine ist darin verankert, das nachzuahmen, was in der Vergangenheit getan und als akademisches Wissen in Büchern festgehalten wurde – und das ist durchaus legitim. Doch das Wesen des Jazz begann mit Freiheit und dem Verlassen der ausgetretenen Pfade, jenseits der Bücher und jenseits der Schule, und genau dort ist meine persönliche Reise. Es geht darum, die Welt daran zu erinnern, dass Jazz genauso lebendig ist wie Freiheit ein fortwährender Prozess ist, den wir als Künstler und als Kollektiv weiter ausbauen. Ich bin also definitiv eine Jazzkünstlerin, einfach weil ich nicht freier sein könnte und ich in gewisser Weise das Privileg hatte, nicht zur Schule zu gehen, weshalb ich keine Regeln kenne. Und mir gefällt es so!

© Stefan Franzen, erstmals erschienen in der Badischen Zeitung, Ausgabe 19.10.2026

Dominique Fils-Aimé live: 21.10. Jazzhaus Freiburg – 22.10. Musikbunker Aachen – 23.10. Jazzclub Tonne Dresden – 24.10. Die Glocke Bremen

Dominique Fils-Aimé: „The River“
Quelle: youtube

von

Grooviger Schwebezustand


Ralf Schmid, Pianist, Arrangeur und Dozent an der Musikhochschule Freiburg, ist für seine musikalischen Exkursionen nach Brasilien bekannt. Im Bossarenova Trio gelingt ihm das mit besonderer Raffinesse, zumal er an seiner Seite mit Paula Morelenbaum eine Sängerin hat, die noch mit Tom Jobim gearbeitet hat und mit Joo Kraus einen Trompeter, der kreative Übergänge vom Jazz zum HipHop schafft. Die neue Scheibe haben die drei nach dem portugiesischen Wort für „schweben“ benannt, und entsprechend leichtfüßig kommen einige Stücke auch daher. Wobei es selten kammermusikalisch zurückhaltend zugeht: Aus den beiden afrobrasilianischen Klassikern „Berimbau“ und „Canto De Ossanha“ wird ein funky Dancefloor-Kracher gestrickt, in „Vem Cá“ geht es noch eine Spur tighter zur Sache, fast wie mit einer souligen Bigband.

„Será“ swingt als astreiner Samba Batucada inklusive Trommelabteilung und Brummtopf. Doch die Ruhemomente funkeln auch: Das Titelstück „Levitar“ strahlt als hymnischer Traum. Und die Zärtlichkeit des Bossa Nova-Klassikers „Dindi“ wird mit gestopfter Trompete und leisem Hereinwehen eines Akkordeons neu eingekleidet. Bossarenova feiern hier einen gewieften Brückenschlag von der Bossa-Melancholie in die Ära des Samba Soul – aus transatlantischer Perspektive.

© Stefan Franzen

Bossarenova live: 18.10. FREIBURG, Jazzhaus – 20.10. LUDWIGSHAFEN, Freischwimmer – 21.10. KÖLN, Altes Pfandhaus – 23.10. HANNOVER, Jazzclub – 24.10. MINDEN, Jazzclub – 25.10. BREMEN, Sendesaal

Bossarenova Trio: „Levitar“
Quelle: youtube

von

Radiotipp: SWR Musikstunde – Musik und Mystik

SWR Musikstunde
Musik und Mystik – Klingende Gottesschau
26. – 30.10.2026, jeweils 9h05 – 10h

Musik als Werkzeug und Ausdruck der Verschmelzung mit dem Göttlichen – dieses Thema ist so alt wie die Menschheit. Hildegard von Bingen, Meister Eckhart oder Johannes vom Kreuz haben ihren mystischen Weg entweder selbst in Töne gefasst oder Komponisten und Musiker inspiriert.

Im Islam und Hinduismus zieht sich der mystisch-musikalische Weg über viele Jahrhunderte von Rabia Al Adawiyyah über Rumi bis zu Hazrat Inayat Khan und Mirabai (siehe Bild), und die Klänge der Sufis und Qawwali erzählen von ihm. Im Jazz und Pop wurden John Coltrane oder George Harrison von ihren mystischen Visionen und ihrer Beschäftigung mit östlichen Philosophien zu einer neuen Klangsprache geführt.

Und schließlich hat auch die Mystik in der Moderne ihren festen Platz, etwa bei Arvo Pärt, Olivier Messiaen oder in der Chormusik des 21. Jahrhunderts.

Ola Gjeilo: „Dark Night Of The Soul“
Quelle: youtube

von

Der 1000. Beitrag: Indo-bayrisches Doppel

Heute vor 12 Jahren startete ich diesen Blog – und laut Zähler ist dieser Beitrag der Tausendste.

Seit 2014 hat sich die Welt, auch die musikalische, in vielerlei Hinsicht verändert, und das leider nicht zum Besseren.
Die Pandemie, der Überfall Russlands auf die Ukraine, Kriegsverbrecher an der Macht in vielen Staaten, eine greifbare Bedrohung durch Klimawandel und KI, und vor allem das erschreckende Wiedererstarken der Faschisten auch in Deutschland mit einem nur ganz zäh anlaufenden Verbotsverfahren: Über Musik zu schreiben, scheint heutzutage angesichts all dieser Szenarien ein Luxus. Oder?

Ich meine: nein. Kein Luxus, sondern notwendiger denn je. Für die Achtung kultureller Vielfalt zu kämpfen, ist in Deutschland nicht erst seit den jüngsten Landtagswahlen eine der dringlichsten Aufgaben geworden. Gerade auch auf einem Blog wie diesem, weil öffentlich-rechtliche Radiosender und Tageszeitungen die Nischenthemen – teils ökonomisch bedingt, teils ohne Not – zusammenkürzen, Marginales noch mehr an den Rand drängen. Wie bunt und kosmopolitisch es in der deutschen Szene zugeht, zeigen zwei Neuveröffentlichungen aus dem eigenen Land.

Keshavara
Moondram Sevi
(Papercup Records)

Köln und der Krautrock – das ist ein reichhaltiges Kapitel der Musikgeschichte, das nun auf Umwegen weitererzählt wird: Im Sound der Combo Keshavara um den Bandleader Keshav Purushotham fließen nämlich neben den psychedelischen Komponenten auch Dub-Strukturen, SciFi und Global Disco mit ein. Moondram Sevi ist bereits das vierte Werk aus der Indo-Cologne-Schmiede und entzückt mit fedrig fließenden Bassläufen, locker aus dem Handgelenk geschüttelter Snare-Drum und schwülen Wah-Wah-Analog-Keyboards. Das zwischendurch auch mal deutsche Lyrics aufblitzen, mehrt den Spaß: In diesen Passagen fühlt man sich dann, als hätten sich die Jungs von Kraftwerk ein paar Flower-Power-Girlanden umgehängt.

Keshavara: „Oracular“
Quelle: youtube



Maxjoseph
Lagom
(maxjoseph.de)

Bayrische Volksmusik muss nicht peinlich sein. Maxjoseph heißt die schönste Art, Bayerns Brauchtumspflege auf höchstes kammermusikalisches Niveau zu heben, haben ihr viertes Album Lagom (maxjoseph.de) fertig. Mit Geige, steirischer Harmonika, Gitarre und Tuba erzeugen die vier jungen Münchner einen fulminanten Flow, der volksmusikalische Leichtigkeit mit Tupfen von Jazzharmonik und komplexem Aufbau paart. Diese Musik hat so viel Seele: Wie die Geige in „Naragonia“ singt!  Wie sich die Kollegen für die feinen Gitarrenläufe in „Tela“ schön zurücknehmen! Wie volltönender Balg und Geigen-Flageolett in „Gaach“ eine herrliche Schichtung abgeben! Zudem hat das Quartett die Gabe des klingenden Bilderreichtums: Im kratzenden Geigenbogen und der Tuba-Melodie kann man tatsächlich den „Rübezahl“ erkennen, und „Panzerotti“ bildet die Süße des gleichnamigen Gebäcks verlockend ab.

© Stefan Franzen

Maxjoseph: „Rübezahl“
Quelle: youtube
von

Türen statt Traumata

Foto: Stefan Franzen

Der ägyptische Sänger Abdullah Miniawy schlägt mit seinem Trio eine Brücke zwischen sakraler Sphäre, Avantgarde und Jazzimprovisation. Zu entdecken ist er als Auftakt zum fünfjährigen Jubiläum der Reihe Listen! in der Kaserne Basel.

“Musik kann ein Mittel der Verkündigung sein. Sie dient nicht nur dem Vergnügen.” Was er da sagt, glaubt man Abdullah Miniawy sofort, sobald man ihn auf der Bühne erlebt. Verzückt schaut er nach oben, schließt die Augen zu einem schmerzlichen Ausdruck, macht eine beschwörende Geste, legt die Hände auf sein Herz, reckt sie nach oben wie zu einem Gebet. Sein Gesang umschließt ruhige Rezitation, ein fast fauchend ausgestoßenes Flehen, nasale Melismen in hohen Lagen, triumphales Falsett. Es ist ein Konzerterlebnis, das ihn selbst auch physisch fordert und niemanden unberührt lässt. Miniawy erinnert sich: „Nach einem Auftritt kam einmal eine Frau zu mir und sagte; ‚Du solltest zu einem Therapeuten gehen – das wird deiner Kunst helfen.‘ Sie hörte so viel Schmerz in meiner Stimme, dass sie annahm, ich hätte etwas sehr Schlimmes durchgemacht. Aber darum ging es überhaupt nicht. Bei dem, was ich tue, geht es nicht um Traumata. Es geht um das Kanalisieren, darum, diese Tür zu öffnen und etwas hereinzulassen.“

Die Musik trat während des „arabischen Frühlings“ in sein Leben. Auf dem Tahrir-Platz in Kairo wandte er sich mit einer Mischung aus Rap und Slam Poetry gegen Staat und Kirche, wurde zu einem der Stars der protestierenden Jugend. „Die Revolution hat mir gezeigt, wie mächtig Worte sein können. Ich habe ich das Gefühl, dass mir diese Gabe zuteilwurde, und sie treibt mich immer noch an“, sagte er dem Portal Struma+Iodine. Seinen Vokalstil entwickelte er völlig frei, statt einer Gesangsausbildung war es die Mutter, die ihn mit ihren spontanen Improvisationen anregte. Vom Vater dagegen kam die strenge Disziplin, die er als Workaholic in seiner musikalischen Arbeit umsetzt.

Die Ausrichtung seiner Live-Shows ändert sich von Programm zu Programm grundlegend. Miniawy entwirft Musik fürs Theater, für Tanz-Projekte und Ausstellungen, und er arbeitet seine eigene Prosa mittlerweile auch zu Kurzgeschichten aus. In Basel eröffnet er die seit fünf Jahren etablierte Reihe „Listen!“ der Kaserne, die experimentelle, elektronische und avantgardistische Klangkunst kuratiert. Der aktuellen Bühnenshow liegt die CD „Peacock Dreams“ zugrunde, die eine ungewöhnliche Besetzung mit zwei Posaunen (Jules Regard und Jules Boittin) in den Fokus rückt. Er rekurriert dabei auf die Musik des Barock und die der koptischen Christen, schaffte eine geradezu sakrale Atmosphäre. „Ich liebe Kirchenmusik und viele Komponisten, die sich mit dem zeitgenössischen ‚Kirchenklang‘ beschäftigen wie Arvo Pärt. Aber ich höre mir auch den Koran an oder Sufi-Musik aus Ägypten. Und dann gehe ich wieder in eine totale Rap-Phase über.“ All das findet sich in der Musik seines Trios zu einem genauso spirituellen wie expressiven Klangraum verdichtet. Und selbst wenn man seine arabische Poesie überhaupt nicht versteht, lassen sich die Inhalte anhand seiner Mimik und Gestik lebendig nachvollziehen.

© Stefan Franzen, dieser Artikel erschien erstmalig auf badische-zeitung.de

Konzert: Kaserne Basel, 24.9., 21h.
Weitere Termine der Reihe Listen!: kaserne-basel/de/listen!

 

von

Beherzte Kämpferin: Zum Tod von Maria Helena Afonso

Foto: privat

Letzte Woche erreichte mich eine sehr traurige Nachricht: Maria Helena Afonso, die Tochter des portugiesischen Liedermachers José „Zeca“ Afonso, ist nach langer Krankheit verstorben. Die Bekanntschaft mit Lena zählte für mich zu den eindrücklichen, anregenden und herzenserwärmenden Begegnungen der letzten Jahre. Das Erbe ihres Vaters, bis heute musikalische Nationalikone der Nelkenrevolution Portugals, hat sie auch Jahrzehnte nach seinem Tod mit ihrer engagierten, kämpferischen und liebenswürdigen Art für viele lebendig erhalten und die Bedeutung seines Schaffens für unsere Zeit herausgearbeitet.

2021 begann die portugiesische Plattenfirma Mais 5 mit ihrem Chef Nuno Saraiva, das Werk José Afonsos neu aufzulegen und damit für eine neue Generation zu erschließen. Lena selbst und ihre Halbgeschwister Pedro und Joana unterstützten das Vorhaben. Vom Schweizer Radio SRF 2 Kultur bekam ich das OK, eine 60minütige Sendung in der Reihe „Passage“ über Afonso zu produzieren. Wer könnte mir helfen, diese Sendung mit O-Tönen lebendig zu gestalten? Ich erfuhr, dass Afonsos Tochter Helena schon lange in Berlin lebte. Als Familienmitglied würde sie eine politische und persönliche Zeitzeugin aus erster Hand sein. Über die deutsche Mais 5-Promoterin Constanze Pfeiffer konnte ich schnell einen Kontakt herstellen und Helena war sofort bereit für ein Interview.

In Berlin traf ich im Herbst 2022 auf eine sehr sympathische, offene und hellwache Frau. Während eines mehrstündigen Interviews in einem unbeheizten Studio ließ sie die Biographie ihres Vaters so lebendig vor meinen Augen und Ohren erstehen, dass ich mich fühlte, als erlebte ich die 1960er und 1970er live mit. Lena, die ihren Vater wie alle Portugiesen schlicht „Zeca“ nannte, charakterisierte ihn so: „Er war tatsächlich immer in Bewegung, immer am Laufen, ein unruhiger Geist, er hatte das ganze Land kennengelernt, Norden, Süden, zum Schluss den Algarve. Er wollte einfach zeigen, dass das Land einen sehr unterschiedlichen Reichtum an traditioneller, an ethnischer Musik hatte und nicht nur den Fado als Export.“ Sie entwickelte seine gesamte bewegte Vita für mich, von seinen frühen Reisen im Land, wo er Musik aus allen Traditionen sammelte hin zu seiner Zeit in Angola, wo er als Lehrer von der Geheimpolizei überwacht wurde.

Vor allem aber zog mich Lena mit ihren hautnahen Schilderungen über die letzten Tage der Diktatur in den Bann, und die Rolle, die der hochpolitische José Afonso mit seinen kritischen, metaphernreichen Liedern im Widerstand spielte, der am 25.4.1974 zum Sturz des faschistischen Regimes führte. „Die Macht seiner Musik war nicht zu kontrollieren, trotz strengsten Verbots und Zensur“, sagte sie. Sie verschwieg auch nicht, wie er einige Jahre nach der Nelkenrevolution enttäuscht von den politischen Entwicklungen war, trotzdem gegen die Apathie ankämpfte. „Gegenüber uns Kindern hat er gesagt: Sucht keine Entschuldigungen, um nichts zu machen! Tatsächlich hat er bis zu seinem Tod immer, immer den Mund aufgemacht, bis es ihm seine Krankheit nicht mehr erlaubte.“

Auch Lena, die seit einigen Jahren unter schwerer Krankheit litt, hat weiterhin den Mund aufgemacht, versuchte mit Kontakten in die Kultur- und Theaterwelt, in der Zusammenarbeit mit Fernsehsendern und dem Goethe-Institut Lissabon immer noch etwas zu bewegen in einem Portugal, das nun auch wieder nach rechts driftet. Sie war für ihre letzte Lebensphase zurückgekehrt, und auf dem Weg dorthin durfte ich sie auf der Durchreise in Freiburg nochmals treffen. Wir konnten bei einer vietnamesischen Suppe an unsere telefonischen Diskussionen anknüpfen. Lena war aufgebracht und erschüttert über die neuen faschistischen Umtriebe in Portugal und Europa, über den Gaza-Krieg, über die Gleichgültigkeit und Empathielosigkeit vieler Menschen. Aber sie hatte auch Hoffnung, das Zecas Erbe weiter einen Beitrag zu einer friedvollen Zukunft leisten kann: „Zeca ist eine Figur, die in den Geschichtsbüchern steht, das heißt, sie lernen in der Schule über Zeca. Und viele haben Eltern, die eine große, große Verbindung zu Zeca haben. Großeltern, Väter und Mütter erzählen ihren Kindern von ihm. Viele neue Musiker entdecken mit Begeisterung Zeca. Da habe ich keine Angst davor: Die Musik wird bleiben.“

Die Serie der Wiederveröffentlichungen der José Afonso-Werke auf Mais 5 war noch nicht lange abgeschlossen, als die Meldung von Lenas Tod kam. Mit ihr, genau wie mit ihrem Vater, haben wir einen Menschen verloren, der mahnend und beherzt für ein lebenswertes, humanistisches Umfeld der Vielfalt und Gleichheit für alle eintrat. In der Welt des Jahres 2026 wird Lena uns schmerzlich fehlen.

Stefan Franzen

Die SRF 2 Kultur-Sendung mit Maria Helena Afonso zum Nachhören:
José Afonso – musikalischer Pionier zwischen Poesie und Politik – Audio & Podcasts – SRF

José Afonso: „Venham Mais Cinco“ (ao vivo no Coliseu)
Quelle: youtube

von

Stimmen der Widerstandskraft

In den letzten Jahren hat die iranische Ethnomusikologin und Kuratorin Yalda Yazdani etliche Projekte mit nahöstlichen Musikerinnen aufgegleist: Beginnend mit „Female Voices Of Iran“ porträtierte sie Künstlerinnen aus dem persischen, kurdischen und afghanischen Kulturraum in aufwendigen Dokumentarfilmen und organisierte Konzerte. Nun schlägt Yazdanis ein neues musikalisches Kapitel auf, das stilistische Barrieren überspringt. Mit dem Kölner Gürzenich-Orchester unter der Leitung der Südkoreanerin Juya Shin präsentiert sie am 26. September in der Kölner Philharmonie das Programm Female Voices Of Resilience.

Yazdani hat hierfür vorrangig iranische Sängerinnen zusammengestellt, die ihr Land verlassen haben, nachdem die Proteste infolge des Mords an Jina Mahsa Amini eine Welle an Gewalt durch das Mullah-Regime gegen die Zivilbevölkerung ausgelöst hatten. Erstmals stehen diese Frauen nun gemeinsam außerhalb des Irans auf einer Bühne. Das Konzert zeigt zugleich die vielen stilistischen und regionalen Facetten der iranischen Musik, von aserbaidschanischen und kurdischen Einflüssen über qaschqaische und belutschische Musik bis hin zu zeitgenössischen Formen.

Die Stimmen und traditionellen iranischen Instrumente des Inner Unity Ensembles mit Kamancheh, Oud und Santur treffen auf das Sinfonieorchester. Mit dabei sind Foroogh Fazli, Ghazaal Ansarirad, Mahya Hamedi, Sanam Maroufkhani, Hura Mirshekari, Maliheh Moradi, Mina Deris, Samin Ghorbani und Hani Mojtahedy. Die Arrangements haben Matthias Kaufmann und der international bekannte Jazzgitarrist Mahan Mirarab geschrieben.

 

von

Lauschpfad rund ums Chellenchöpfli

Seit 36 Jahren eine feste Adresse für unerhörte Klänge: Das Festival Neue Musik Rümlingen lotet aus, was passiert, wenn Landschaft und Musik im Miteinander tönen, wenn Topographie auf Akustik trifft und sie sich durchwirken. In diesem Jahr war das Gebiet um die Orte Langenbruck und Reigoldswil im Kanton Baselland (Be-)Spielplatz. Am zweiten der drei Tage unternahm der Musiker- und Publikumstross eine Klangwanderung namens „Transit“ von Reigoldswil hinauf zum Chellenchöpfli und wieder hinunter nach Langenbruck. Mit dabei Bläser und Schlagwerker der Basler Sinfonietta.

Schon beim Einschweben mit der Gondel umfingen einen mit den Seilbahnpfeilern dialogisierende „Beep Devices“. Für „La Montaña de los Presentes“ ließ Komponist Fernando Manassero Musiker auf dem Hang postieren, die sich über weite Strecken mit Liegetönen und Signalphrasen „zuriefen“. Das quietschende Viehgatter nahm dabei eine ungeplante (!?) synkopische Funktion ein.

Mit einem auf der Wiese installierten Memento Mori für die Zugvögel erinnerte Lukas Berchtold an die ökologischen Herausforderungen unserer Ära.

Alexandre Babel verfolgte mit „Time Up/Side Down“ auf der Gipfelweide eine ähnliche Philosophie wie Manassero und ließ Musiker in einer 360-Grad-Aufstellung über Funkuhr agieren. Heranholen konnte man sich die weit auseinandertönenden Klänge mit Fabrizio Di Salvos 3D-Drucker-Kopfhörern aus Zuckerstärke, Maismehl und Holz mit beweglichen Ohrmuscheln.

Ane Marthe Sørlien Holen ließ Sound Creatures wie Fabelwesen durch den dunklen Tann tollen, während Sasha Katsalap auf einer Lichtung ihre Klangstab-Installation „Cratylus“ schimmern ließ.

Am Ende warteten Paul Ragaz und Johanna Hämmerli an einem Bachlauf mit einem Duo aus Drehorgel und Kontrabassflöte auf, dass sich rauschhaft profund in die Senke einfügte.

                                              Fotos: Stefan Franzen, Markus Kurz, Manuel Braun

 

 

 

von

Radiotipp: SWR Musikstunde – Klassik Global

SWR Musikstunde
Klassik Global – Weltgewandte Dialoge
17. – 21.08.2026, 09h05 – 10h00

Klassische Musik hat längst ihre Scheuklappen gegenüber anderen Musikgenres abgelegt und viele Fenster zur Welt geöffnet. Und herein weht frischer Wind: Symphonisches aus Afrika, Tondichtungen über indigene Rituale, virtuose Konzerte für Instrumente der Weltkulturen, Kammermusik mit Folklore-Färbung, Wiener Romantik mit der Würze der Roma-Musik, Indiepop-Musiker als Schöpfer von Opern. Viele dieser globalen Öffnungen knüpfen an eine Zeit an, als Komponisten im Austausch mit Volksmusik standen, von der Barock-Ära bis zu Franz Schubert und Anton Bruckner. Eine Woche voller weltgewandter und unerwarteter Dialoge.

Nach der morgendlichen Erstausstrahlung werden die Sendungen ein Jahr lang auf der SWR-Seite, in der SWR App und auf ARD Sounds zur Verfügung stehen.

Adolfo Mejía: „Cumbia“
Quelle: youtube